MUSICALES, TEATRO

& OTROS ESPECTÁCULOS

En un momento óptimo para las series televisivas, propuestas por las muchas plataformas digitales existentes, (ver en este enlace, nuestra sección PLATAFORMAS/STREAMING), surge la oportunidad de disfrutar desde otra dimensión absolutamente diferente, de una de las series más triunfadoras, en la historia de la TV desde 1994 a 2004: "Friends", en esta ocasión llevada al plano del musical.

Así, tanto los numerosos fans (como los menos conocedores del fenómeno "Friends"), podrán revivir los mejores momentos de una de las series más icónicas de todos los tiempos con "Friends, the musical parody", un espectáculo que combina humor, nostalgia y música en un formato teatral único.

Esta divertida adaptación ya ha triunfado en Broadway (NYC), en el Reino Unido, y en Australia, llega a Bilbao por primera vez de la mano de Saga Producciones, Theater Mogul e Iria Producciones.

La obra recrea con ingenio y talento los momentos más inolvidables de las 10 temporadas de "Friends", presentando a Rachel, Ross, Mónica, Chandler, Joey  y Phoebe,en situaciones tan hilarantes como entrañables. Con canciones originales y una puesta en escena llena de energía, esta parodia rinde homenaje a la serie que marcó a toda una generación.

Una experiencia única, ideal para disfrutar y revivir la esencia de "Friends", en un escenario lleno de música y diversión.

FICHA TÉCNICA

"Friends, the musical parody"

Sala Teatro. Duración: 115 minutos

14/febrero/2026

Para todos los públicos.

ELENCO

María Ruiz …  Rachel

Omar Ruiz …  Ross

María Ochando  … Mónica

Dani Saiz  … Chandler

Irina Bargues … Phoebe

Ricardo Saiz  … Joey

Kevin Villar …  Gunther

Marta Segui … Swing actrices

Miguel Sanchez … Swing actores

EQUIPO DE PRODUCCIÓN

Dirección … José Sáiz

Asistente de dirección … Kevin Villar

Dirección musical … Carlos Mansa

Dirección coreográfica … Lina Martínez

Vestuario y caracterización … Fidel David  y Elena Bellver

Diseño de sonido … Álvaro Arencón  y Marcos Alegre

Diseño de iluminación … Rowan  y Diego Pascual

Diseño de escenografía … Rowan diseño escénico

Realización de escenografía … Fet D´Encàrrec

Atrezo y utilería … Fidel David  y Yolanda Camacho

Fotografía … Fernando Sarrión

Artes gráficas … Yolanda Camacho

Producción ejecutiva … Marisol Macías

Comunicación y prensa … Omar Ruiz

Asesoramiento … Tamara Martín

(*) Fe de erratas.

Advertido un error por una de nuestras lectoras, en el contenido de este artículo, publicado el pasado 13 de diciembre, procedemos a publicarlo convenientemente rectificado, con la misma relevancia. Desde el Magazine Cultural 3guitars queremos dar las gracias a nuestros lectores/as, no sólo cuando nos demuestran su disfrute con la publicación, si no cuando nos advierten sobre cualquier error por nuestra parte, que será subsanado con la mayor celeridad posible, como en este caso.

Uno de los géneros musicales escénicos más propios y autóctonos, y que hasta ahora sólo se le había mencionado en el Magazine 3guitars de modo tangencial, es la "Zarzuela" (*), también en su formato reducido llamado "género chico" (**).

Si bien otros géneros musicales escénicos (como la ópera, el singspiel, la opéra-comique), o bien varias fuentes teatrales del siglo XIX, tales como la opereta, la comedia musical, la pantomima, el minstrel show, el vodevil, la revista, y el género burlesco (todos estos últimos precursores del Musical, como lo conocemos actualmente), han reinado en teatros y salones aristocráticos (incluso en cabarets, locales y bares populares) europeos, hasta los años ´70s del siglo XX. Aquí, y debido a nuestros "complejines", no habíamos defendido ni proyectado suficiéntemente (sobre todo en el exterior), un género autóctono y de gran valor compositivo, como es la zarzuela.

Por cierto, el término «zarzuela», aplicado al género musical y teatral, procede del Palacio de la Zarzuela, un palacio real español situado en el Monte del Pardo, en las proximidades de Madrid, y en el que se hallaba el teatro que albergó las primeras representaciones del género.

Hecha esta reivindicación y estas aclaraciones, y dicho todo lo anterior, la zarzuela "Los Gavilanes" viene a llenar este hueco en el Magazine Cultural 3guitars.

SOBRE LA OBRA

"Los Gavilanes" es una zarzuela en tres actos y cinco cuadros en prosa, con música del maestro Guerrero, y libreto de Ramos Martín. Fue estrenada hace más de un siglo (el 7 de diciembre de 1923), y como no podía ser de otra manera ... lo hizo en el Teatro de la Zarzuela, de Madrid.

En cuanto al argumento contar que la acción se sitúa en una aldea de la Provenza (al sureste de Francia) en 1845, aunque la historia bien podría extrapolarse a una aldea española.

Juan, un indiano que ha hecho fortuna en Sudamérica, y tras una larga estancia allá, regresa a su pueblo natal provocando una gran conmoción, ya que todos en la aldea le creían muerto.

Marchó para conseguir riqueza pero dejando un amor, Adriana. Y cierto es que vuelve rico, pero más viejo.

El hermano, la cuñada y las sobrinas de Juan reciben caros regalos y joyas, de las cuales hacen ostentación. Ahora bien, como todo buen culebrón, también se entremezcla la política local y el poder: el alcalde del pueblo ahora es Clariván, un antiguo rival de Juan, pero que quiere hacer ver que es un gran amigo suyo para que pague las obras que necesita el pueblo.

Juan confiesa a unos pocos que no vio motivos para volver, al enterarse de que Adriana, su gran amor de siempre, se había casado con otro. Ahora Adriana es viuda, pobre y con una joven hija, Rosaura.

En el acto 2, Juan tras conocer a Rosaura, y enamorarse de ella. anuncia que quiere casarse con la hija de su antiguo amor, lo que provoca un escándalo. El alcalde y el gendarme piensan que es un viejo verde.

En el acto final, Juan ha pagado todas las deudas de la familia de Rosaura, para que esté en deuda con él. El alcalde y el gendarme comienzan a llamarle con desprecio "el gavilán", pues ha cazado a una paloma (de ahí el título de la obra). Rosaura está enamorada de un chico de su edad y piensan fugarse, cuando son sorprendidos por Juan, quien se da cuenta de lo miserable que ha sido y deja en paz a la joven pareja, ganándose el respeto de todo el pueblo. (Vamos, un final con su "moralina" incluida).

En fin, como puede verse "Los Gavilanes" posee todos los ingredientes que hoy, en pleno siglo XXI, intentan aglutinar las mejores series de enredo de las plataformas americanas y europeas.

ALGUNOS DATOS, Y FICHA ARTÍSTICA

Música:

– Jacinto Guerrero (1895-1951)

Libreto:

– José Ramos Martín (1892-1974)

Reparto:

JUAN: Santos Ariño (barítono)

ADRIANA: Ana Begoña Hernández (soprano)

ROSAURA: Ana Ochoa (soprano)

GUSTAVO: Alberto Núñez (tenor)

TRIQUET: Joseba Alba (tenor cómico)

CLARIVAN: Josu Camara (barítono cómico)

 RENATA: Ana Bastida

CAMILO: Iñaki Llamas

NITA: Arantza Burgoa

ENMA: Nieves Fernandez

LEONTINA: Mercedes Martínez

MARCELO: Kepa Bermejo

JORGE: Javier Rodríguez

ALDEANA 1: Amaia García

ALDEANA 2: Jaione Garamendi

ALDEANA 3: Ainoa Yurrebaso

Cuadro de actores:

- Masa Coral del Ensanche

– Dirección: Yolanda Bustillo

Coro:

– Masa Coral del Ensanche

– Dirección: Ana Begoña Hernández Soengas

– Pianista: Georgina Barrios

Orquesta:

– Orquesta sinfónica Labayru

Dirección musical:

– José Luis Eguiluz

Dirección escénica:

– Yolanda Bustillo

Escenografía, vestuario y atrezzo:

– Masa Coral del Ensanche

Iluminación y sonido:

– Tarima

Producción:

– Masa Coral del Ensanche

DÓNDE VERLO

Los Gavilanes

Masa Coral del Ensanche

En la Sala Teatro,  del Teatro Campos Elíseos (Bilbao)

13 de diciembre de 2025

Duración: 150 minutos (dos descansos incluidos)

Para todos los públicos.

(*)

La zarzuela es una forma de música teatral, o género musical escénico surgido en España, que se distingue principalmente por contener partes instrumentales, partes vocales (solos, dúos, coros...) y partes habladas, aunque existen excepciones en las que estas últimas, las partes habladas, están completamente ausentes.

Según las investigaciones, Calderón de la Barca es el primer dramaturgo que adopta el término de zarzuela​, para una obra suya titulada "El golfo de las sirenas", que se estrenó en 1657. Pero el término «zarzuela», aplicado al género musical y teatral, procede del Palacio de la Zarzuela, palacio real español situado en las proximidades de Madrid, y en el que se hallaba el teatro que albergó las primeras representaciones del género.

De tal forma reductora y errónea se ha asimilado la zarzuela a la opereta, género de origen francés, principalmente por contener partes habladas o declamadas, pretendiendo así que «la zarzuela es la opereta española». Pero la zarzuela es históricamente muy anterior y esa característica ya se encontraba en otros géneros europeos, también muy anteriores a la opereta y no necesariamente anteriores a la zarzuela. En realidad en ese sentido la zarzuela sería más bien el equivalente español de la opéra-comique francesa o del singspiel alemán. Dichos géneros de Francia y del mundo germánico se caracterizan por producir representaciones teatrales y musicales en las que, a diferencia de la ópera propiamente dicha, se alterna música con partes habladas o declamadas. "La flauta mágica" de Mozart, por ejemplo, no es una ópera sino un singspiel y, por consiguiente, tanto sentido tiene decir que «la zarzuela es la opereta española» como decir que «el singspiel es la zarzuela vienesa». A pesar de todo, ha habido zarzuelas del género grande, que por no tener partes habladas son parecidas a la grand opéra francesa o a la ópera seria italiana. Por lo tanto la zarzuela se definiría de una manera más adecuada, y más simple, como el arte lírico y escénico propiamente hispánico, pues aunque naciera en España, al poco tiempo de su aparición se extendió a la casi totalidad del mundo hispánico.

(**)

El género chico se refiere a un subgénero de la zarzuela española, caracterizado por ser breve (normalmente un solo acto) y tener tramas sencillas y costumbristas, en contraposición a la zarzuela grande. Se popularizó a finales del siglo XIX, convirtiéndose en una opción de ocio popular para diversas clases sociales y dando lugar a obras icónicas como la muy castiza "La verbena de la paloma".

(*) Fe de erratas.

Advertido un error por uno de nuestros lectores, en el contenido de este artículo, publicado el pasado 11 de noviembre, procedemos a publicarlo convenientemente rectificado, con la misma relevancia. Desde el Magazine Cultural 3guitars queremos dar las gracias a nuestros lectores/as, no sólo cuando nos demuestran su disfrute con la publicación, si no cuando nos advierten sobre cualquier error por nuestra parte, que será subsanado con la mayor celeridad posible, como en este caso.

Dentro de la programación del 50º Festival Internacional de Teatro de Vitoria-Gasteiz (FITVG), destacar la presentación el próximo 20 de noviembre de "La otra bestia", una coproducción de Nave 10 | Matadero y Producciones Come y Calla.

"La otra bestia" es un espectáculo multidisciplinar que recuerda la necesidad de redención a través del arte y cómo un espíritu creador puede domesticar la húmeda y monstruosa animalidad que, en ocasiones, nos posee por dentro.

La polifacética actriz y creadora Ana Rujas  (**) es la autora de este laboratorio íntimo en el que se mezclan teatro, poesía, ficción y autobiografía. Pedro Ayose y José Martret dirigen una pieza confesional, a partir de textos directos y muy afilados que nos golpean en el bajo vientre.

La otra bestia es una criatura que habita dentro de Sara (Ana Rujas), la que nos mira detrás de sus ojos, con voz ronca y cuchillo entre los dientes, preparada para apuñalarnos por la espalda. Es un viaje hacia la soledad y la muerte, pero también hacia el autoconocimiento, de esta mujer que intenta nadar en el naufragio de su relación sentimental. Nadie puede escapar de uno mismo ni tampoco del monstruo incontrolable que tiene dentro. La feria de las catástrofes y los milagros ha llegado a la ciudad. Pasen y vean.

SINOPSIS

Sara se ha quedado sola mientras Marc, su marido, se ha instalado en el extranjero para ultimar los detalles de la construcción de una gran torre que el Estudio de Arquitectura de su padre está levantando en Japón. Cuando Marc regresa a casa descubre que Sara es una mujer totalmente diferente: con otros sueños, otros deseos y otras prioridades. Marc intentará recuperar lo que tenían pero, como dice Sara: «es imposible volver al primer día de la cosa más bonita del mundo». Ahora mismo el pasado es otro país.

Este es el punto de partida de una historia, atravesada por la poética con la que Ana Rujas impregna el libro que también da título a esta obra de teatro. Recorremos la herida de una mujer contemporánea, que vive en pleno cáos emocional. Cuando decidimos que vamos a vivir la vida desde un lugar menos tutorizado, menos domesticado, la bestia empieza a liberarse y sus consecuencias son imprevisibles. La belleza, el deseo, la búsqueda de lo sublime, la conexión con Dios o el miedo a caer en la mediocridad, las malas elecciones, las equivocadas, el amor, el dolor, las raíces y el lenguaje son temas que atraviesan la obra y que ya eran pilares fundamentales del libro. Sara es una mujer poseída por una bestia que está enganchada a sentir y domesticarla sólo es una opción.

SOBRE LA OBRA (O LA INTENCIÓN DE LOS DIRECTORES)

Dejemos que sean los propios directores (Martret y Ayose), los que nos hablen sobre la obra: "Afrontar la puesta en pie de "La otra bestia" ha sido uno de los mayores retos a los que nos hemos enfrentado como directores. El texto de Ana Rujas es poderoso y es doloroso al mismo tiempo. Es un texto poético, sobre las reflexiones de una mujer contemporánea que intenta sobrevivir a su herida. Es una obra existencial en constante búsqueda de sentido.

Necesitábamos que toda esa poética también estuviera en la obra de teatro. Su lenguaje impregna no sólo a su personaje, sino también al de los otros dos hombres que la acompañan y lo aterrizamos a un ambiente doméstico: una casa, la casa del matrimonio. Sentimos que que hay algo que enlaza con esa poética doméstica de las mujeres andaluzas que Lorca encerraba en sus casas, sobre todo en esa manera de hablar apasionada y poco convencional. También sentimos a Pinter como un gran referente al ir poco a poco desvelando incógnitas para que el espectador viaje con los personajes y vaya descubriendo qué es lo que les sucede, intentando huir de lo explícito".

ELENCO, FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA

Dramaturgia y dirección: José Martret y Pedro Ayose

Con Ana Rujas,  Joan Solé, Teo Planell / Itzan Escamilla

Texto: Ana Rujas
Cámara en directo: Alicia Aguirre

Movimiento escénico: Amaya Galeote
Diseño de escenografía: Alessio Meloni
Diseño de iluminación: David Picazo
Diseño de sonido: Sandra Vicente
Diseño de vestuario: Ana López Cobos  y Sara Sánchez de la Morena
Diseño de vídeo y videoscena: Emilio Valenzuela
Composición musical: Ale Acosta
Ayte. dirección: Laura Garmo
Ayte. escenografía: Juanjo González
Asistente artístico: Kike Gómez

Confección Ana Rujas: Natalia Rodríguez
Realización cabeza: Oxum FX

Equipo producción Come y Calla:  Eva Paniagua y Juanfran García
Una coproducción de Nave 10 | Matadero y Producciones Come y Calla

(**) Ana Rujas es una actriz muy conocida también fuera del teatro, por sus trabajos en series televisivas de gran éxito, como "Cardo", de la que fue creadora y protagonista; y también fue una de las protagonistas de "La Mesías", creada por "Los Javis" (Javier Calvo, y Javier Ambrossi). Ha cosechado varios premios y nominaciones por sendos trabajos, tanto en los Fotogramas de Plata como en los Premios Feroz.

Dentro de la programación del 50º Festival Internacional de Teatro de Vitoria-Gasteiz (FITVG), destacamos la presentación hoy 30 de octubre de la obra “Entrañas”, un trabajo talentoso de la compañía “El Patio Teatro” de Logroño, que lleva dos años rulando por teatros tan diferentes como el prestigioso Teatro Barbican londinense (dentro del Festival Mime), con esta obra que no dejó indiferente a ninguno de los presentes.

QUÉ NOS CUENTA LA OBRA

El planteamiento de “Entrañas” es sencillo y complejo a la vez: ¿Nos hemos preguntado alguna vez qué llevamos dentro? La humanidad lleva siglos tratando de desentrañar los misterios del cuerpo humano, nosotros un poco menos… Nuestro breve paseo por el cuerpo humano, se ha convertido en un viaje al interior de nuestro interior. Al final de este viaje, tenemos más preguntas que al principio. ¿A dónde van nuestros cuerpos cuando desaparecen? ¿Qué somos? ¿De qué estamos hechos? ¿Qué es un cuerpo? El resultado, un juego, una breve lección de anatomía…y un invitación a reflexionar sobre nuestro paso por el planeta.

QUÉ PROPONE LA OBRA

Con la sencilla premisa “¿qué es el cuerpo humano?”, la compañía El Patio Teatro invita al público a una reflexión más profunda sobre lo que somos, para qué vivimos, lo pronto que pasamos, y algo no menos importante, que con un poco de suerte perduraremos en la memoria y el cariño de nuestros supervivientes.

ELENCO Y PREMIOS

Dirección, guión, dramaturgia: El Patio Teatro

Intérpretes: Izaskun Fernández, Julián Sáenz López

Música original: Nacho Ugarte

Vestuario: Martín Nalda

SOBRE LA COMPAÑÍA

El Patio Teatro fue creada en Logroño en 2010 por Izaskun Fernández y Julián Sáenz López.

La compañía teatral nace de la necesidad de acercar al público historias que surgen de su emoción ante lo cotidiano y que son la excusa para la búsqueda de un lenguaje propio que les ayude a contarlas sobre un escenario. Esta búsqueda les ha llevado a refugiarse en los objetos y en la vida de los mismos, en el pequeño formato, en el barro, en sus propias manos…

Desde entonces la compañía ha creado cinco espectáculos: "A Mano", "Hubo", "Conservando memoria", "Feriantes", y la obra de hoy, "Entrañas".

El Patio Teatro lleva desde el 2012 actuando en los más relevantes festivales y teatros españoles, y ha llevado a cabo importantes giras internacionales en Europa, Asia, América, Australia y África.

Sus espectáculos han recibido premios nacionales e internacionales, entre los que cabe destacar:

Tres premios en el "26 Kotor Festival of Theatre for Children", en Montenegro, al Mejor Espectáculo; a la Mejor interpretación masculina; y a la Mejor interpretación femenina.

Premio El ojo crítico de Teatro 2021.

Premio a la mejor producción artística del Hip Festival, Islandia 2021.

O el Premio al Mejor Espectáculo de Sala, "Mostra de Igualada 2024".

NUESTRA VISIÓN

Curiosamente, durante el mes de octubre el FITVG ha programado dos obras muy diferentes, pero con un mismo elemento de partida: el cuerpo humano.

En "Lo peor que le puede pasar a un niño" (ver en este enlace), nos hablan del examen post mortem o necropsia, como un procedimiento médico que se realiza en seres humanos después de su muerte para obtener información sobre las condiciones médicas del individuo durante su vida.

Y en "Entrañas"… (humanas), la variedad del temario va de lo puramente científico que tiene  mucho de divulgación, hasta de las emociones del individuo.

Por ejemplo, que el pulmón izquierdo es algo más pequeño para hacer hueco a nuestro corazón, o que el tórax (que en griego significa coraza) es ese escudo para el órgano pulsante, y también que en ocasiones uno se enfunda para protegerse.

Además se habla de nuestras propias cicatrices, algo muy universal, porque todos las tenemos con mayor o menor profundidad. Aquí resulta muy visual y emotivo, como los protagonistas cosen (físicamente) sus cicatrices (ver imagen inferior).

Aunque sobre todo es un espectáculo con más preguntas que respuestas.

En cuanto a la puesta en escena es minimalista, destacando la plasticidad del juego de luces sobre maquetas hechas a mano y sus sombras, rayos X o antiguas diapositivas. Esto es un mérito exclusivo del talento de la compañía de Logroño, que demuestra en “Entrañas”, una vez más, su originalidad.

Cierto es que el aforo se vio un poco reducido, debido a la puesta en escena, que básicamente se desarrolla en la parte central y frontal del escenario, por lo que los espectadores no se sentaron en las butacas laterales de la platea, para poder apreciar la totalidad de la obra.

En resumen: "Entrañas" es una conversación teatral de cuarenta y cinco minutos, en la que los dos protagonistas intentan establecer una comunión con los presentes de esto que a todos nos ha sucedido alguna vez, de una forma liviana, y salir con una sonrisa ... aunque dándole al “magín”.

La compañía Zanguango Teatro, ha representado la obra “El peor espectáculo del mundo. De momento!!!”, en el Teatro Jesús Ibáñez de Matauco de Vitoria-Gasteiz, dentro de la 50ª Edición del Festival Internacional de Teatro de la capital de Euskadi.

Llevan desde el 4 de julio girando con la obra sin parar, pero este ha sido el estreno de la misma en "versión sala".

Continuarán, al menos, hasta el 2 de enero de 2026, con un total de 24 representaciones firmadas (de momento!!!)

QUÉ NOS CUENTA LA OBRA   

“El peor espectáculo …” es un delirante documento, un biopic protagonizado por un héroe ficticio de barrio, un ser prescindible que está en el mundo "porque tiene que haber de todo".

El individuo en cuestión es Martxelo Aranguren, alguien ignoto, con una historia triste…pero necesaria…o no.

A lo largo de una hora y veinte minutos, disfrutamos de una dramedia (en la que predomina más la parte cómica), sobre quienes intentan ser alguien pero, al final, su vida es como la de los conejos, que saltan de mato en mato sin dejar rastro, y al mirar atrás, sólo ven el miedo a las escopetas.

Un acto de amor hacia todas esas personas que se hacen a sí mismas “con bajo presupuesto y malos materiales”.

LO MEJOR

No solamente nos permite reírnos durante una hora larga (en estos momentos de nuestra historia actual, tan necesitados de buen humor), sino que podremos apreciar en toda su extensión, una hábil demostración de lo que es la participación de algunos asistentes en la obra, en una dinámica de grupos, sobre todo durante los momentos en los que Txubio Fernández, protagonista absoluto y maestro de ceremonias, hace partícipe a seis de los espectadores como actores improvisados, provocando situaciones tan disparatadas, como inesperadas y divertidas.

Durante los momentos finales, incluso consigue implicar a todos los espectadores, aunque sólo sea durante unos instantes.

La obra (basada en una idea original de Txubio Fernández y del director de la misma, Miguel Muñoz), rezuma una “aparente improvisación”… y nada más lejos de la realidad: es una densa obra de riesgo muy calculado.

EQUIPO TÉCNICO/ARTÍSTICO

Compañía/Producción: Zanguango Teatro

Idea/Creación: Txubio Fernández, Miguel Muñoz

Dirección: Miguel Muñoz

Intérprete: Txubio Fernández

Danza Butoh: Ainhoa Alberdi

Asesor Musical: Bingen Mendizabal

Vídeo: Marta Vilar

Fotografía: Sonia Estévez

Escenografía: Carlos Pérez

Edición de sonido: Marc Canou

SOBRE LA COMPAÑÍA TEATRAL

Fundada en 1993, Zanguango Teatro ha producido y produce espectáculos de calle y de sala.

Se basan en técnicas de creación colectiva, en lo físico, el movimiento, en la utilización del espacio y el ritmo como ejes de la acción dramática.

Tratan el comportamiento humano en todas sus facetas, buscando la parte mágica, desconcertante y divertida de las situaciones más cotidianas y reconocibles.

Apuestan por el humor, un humor crítico, corrosivo, comprometido con lo social, con lo político, con lo humano, que bascula hacia la tragedia, la poesía, la ironía y el absurdo, para reírnos de lo patéticos que podemos llegar a ser.

Dentro de la programación de la 50 ª Edición del Festival Internacional de Teatro de Vitoria-Gasteiz, destacamos la presentación hoy 9 de octubre de la obra “Lo peor que le puede pasar a un niño".

QUÉ NOS CUENTA LA OBRA   

El examen post mortem o necropsia, es un procedimiento médico que se realiza en seres humanos después de su muerte para obtener información sobre las condiciones médicas del individuo durante su vida.

En esta pieza, un indivíduo de unos 50 años junto con su alter - ego, Barbie, realizarán su propia necropsia de vida. Así irán desgranando como fue de niño, cómo vivió su adolescencia y madurez, cómo le influyeron los profesores, su padre, abuelo, amigos (ocasionales), y demás figuras masculinas. Irán descubriendo cómo se ha ido conformando su propia personalidad, hasta que Barbie haga explotar la necropsia.

QUÉ CRITICA LA OBRA

"Lo peor que le puede pasar a un niño" es una propuesta escénica que explora la construcción —y deconstrucción— de la masculinidad desde una vivencia personal que se vuelve colectiva. La obra plantea preguntas incómodas sobre la identidad, lo binario, los cuerpos y los roles de género que nos han sido impuestos desde la infancia. Una pieza valiente, reflexiva y necesaria, que interpela al espectador y lo invita a revisar sus propias certezas.

Pero también va mucho más allá al hablarnos de los roles de la mujer durante los últimos 60 años, la obsesión por la perfección física (reflejada en la muñeca Barbie "en carne y hueso", gracias a la magnifica interpretación de Haizea Águila).

COMPAÑÍA, ELENCO Y PREMIOS

Dramaturgia y dirección: Javier Liñera

Intérpretes: Aitor Pérez,  Haizea Águila, Valentín Volpe (voz de niño).

Diseño de iluminación: Edu Berja

Escenografía: ATX Sorkuntza

Producción: Ékoma Teatro y J. Liñera

Premio Max Aub de Teatro en castellano Ciutat de València 2023.

Proyecto ganador de la convocatoria 2024, de "Ayudas a la coproducción escénica local". Red Municipal de teatros de Vitoria-Gasteiz.

NUESTRA VISIÓN

Brutal derroche de crítica acerada y sinceridad, en 80 minutos.

Con un guión extra-crítico e inteligente que toca tantos temas (*) que apabulla.

Incluso añade unos cinco minutos destroyer y delirantes (casi al final), en los que el autor no deja títere con cabeza, arreándole por igual al padre del protagonista que al abuelo (el que se bañaba en colonia Brummel); a Franco  y a Carrero Blanco; a los niños que le insultaban en el patio del colegio y a los profesores que le maltrataron; al terrorismo y al Bilbao de la reconversión industrial; y a todos los espectadores… al más puro estilo Tarantino, o Álex de la Iglesia.

Todo ello encarnado en dos soberbios actores (Aitor Pérez y Haizea Águila) que se dan la replica(casi) milimétricamente.

Y como parece obligado en la crítica/crónica teatral, si hubiera que poner un pero a “Lo peor que le puede pasar a un niño”, quizás, (solo quizás), hay algún desfase temporal entre la “edad narrativa” del protagonista, y la época que describe (contexto), pero nunca nos atreveríamos a señalarlo como un lastre, en una obra tan profunda como divertida.

En suma: el dramaturgo (que hermosa palabra) Javier Liñera, utiliza el teatro no sólo como arte final, sino como herramienta para azuzar, recordar, revolver, transformar, o dignificar.

(*) Los gays que aspiran a convertirse en heteros/blancos/clase media-alta, con sus chalets y piscinas de revista; la (falsa) lucha LGTB+ de algunos sectores; la crítica a los sucesos de algunos momentos de nuestra historia más reciente; la situación de la sociedad; la política interna e internacional; y algunos temas más.



INFO 11/08/2024

Actualizado 27-30/08/24

Texto: Javier D. Taylor.

Imágenes: núm. 1,4,6, y 7 (R.Escuela);

núm.2 (Penguin Random House);

núm. 3 y 5 (J.D.T.)

Documentación: R. Escuela

Andaluza de Arte Ecuestre.

(NOTA: Todas las imágenes de 3guitars están

sujetas al correspondiente Copyright)

HORSES

Debemos reconocer, que en la Redacción surgió un sano debate, cuando se propuso un tema tan diferente a los habituales que se presentan en el Magazine Cultural 3guitars, y el como tratarlo.

Porque un festival, un musical, un libro, o un concierto parecen temas más en la línea habitual de la revista, pero: ¿acaso un icono tan cercano a la cultura del ser humano, no tiene cabida en un Magazine que se llama a sí mismo "cultural"?

Pues bien. De ahí precisamente nace "Horses", una mirada diferente, transversal, variada y compleja a lo que comenzó siendo una visita a uno de los lugares más especiales de Andalucía ... e incluso de Europa, y cómo está intrínsecamente relacionada con la cultural pop.

LA REAL ESCUELA ANDALUZA DEL ARTE ECUESTRE

Una visita a Jerez de la Frontera probablemente quede "coja" sin la visita a la Real Escuela Andaluza de Arte Ecuestre (REAAE), una institución  de doma clásica fundada en mayo de 1973. Entre sus objetivos destacan el mantenimiento de diversas formas de doma tradicional y del caballo andaluz.

Y si duda lo más vistoso, entretenido y elegante que visitar en la escuela, sea el espectáculo "Cómo bailan los caballos andaluces".

Da igual si eres autóctono o "guiri", si te gustan o no los animales, si eres un espectador sensible o más "tronco"... la belleza y sensibilidad que transmite este espectáculo, tan elegante y distinto a cualquier otro es de tal categoría, que los 90 minutos del show pasan volando.

Pero antes de ponernos en situación sobre lo que es, y lo que se puede ver en la Escuela de Arte Ecuestre, abramos el objetivo a lo que representa el caballo en la cultura pop (musical) desde mediados del siglo XX.

CABALLOS EN LA CULTURA POPULAR

Los caballos están omnipresentes en muchas de las facetas artísticas de los últimos 70 años, y sin duda que en la música popular, (desde el rock, al pop o en el folk), han formado parte de la mística y de la lírica más hermosas.

El  grupo de country-rock America titulo su primer LP "A horse with no name" (Un caballo sin nombre).

The Rolling Stones grabaron "Wild Horses" ("Caballos Salvajes") para el disco "Sticky Fingers". En principio fue escrita y dedicada por Keith Richards, a su hijo Marlon recien nacido, al que tuvo que dejar con su madre para irse de gira. Pero más tarde fue reescrita por Mick Jagger.

El indomable canadiense Neil Young, ha girado durante décadas junto a su banda cabecera Crazy Horse (Caballo Loco).

Este mismo verano hemos visto a la banda de Seattle, Band of Horses, en el Azkena Rock Festival, mostrando su particular indie-rock, trufado de sonidos camperos.

"Fresh horses" es el título del disco que lanzó Garth Brooks en 1995, y que le ayudó a disipar las dudas sobre su abandono del country, en favor del pop. El público volvió a sus "brazos", y actualmente es el artista estadounidense en solitario, que más discos ha vendido, superando la mismísimo Elvis Presley.

Caballo es el nombre de una banda de punk-rock y rockabilly de Toledo, formada en 2005.

Y si alguna dama del rock ha hablado de caballos (en diferentes sentidos), esa es Patti Smith, cuyo primer LP "Horses" (1975), está considerado uno de los 50 mejores de la historia del rock. Por cierto, desde el Magazine Cultural 3guitars recomendamos, encarecidamente, la lectura obligada de "Éramos unos niños" (Penguin Random House), escrito por Patti Smith, un ensayo autobiográfico con pocas páginas, pero con gran estilo y fácil de leer. Ganó el "National Book Award 2010", en los EE.UU.

COMO BAILAN LOS CABALLOS ANDALUCES

Y entrando de lleno en la Escuela Andaluza de Arte Ecuestre, su exhibición "Cómo Bailan los Caballos Andaluces" es un auténtico ballet ecuestre con música netamente española, que suele fluctuar entre las adaptaciones (para muchos discutibles) que realizó Luis Cobos hace algunos años (desde polkas, a zarzuelas), y algunos temas clásicos con guitarra española.

El vestuario que se utiliza es a la usanza del siglo XVIII, montado sobre coreografías extraídas de las reprisses de la doma clásica y vaquera y de otros trabajos de la equitación tradicional. En cada representación se realizan de 6 á 8 coreografías. Todas ellas mantienen el mismo nivel y espectacularidad y son programadas por la Institución con arreglo al siguiente repertorio:

1.- Doma Vaquera

Demostración sobre esta disciplina, donde el jinete, con las riendas en una sola mano, conduce al caballo por la pista, al paso y al galope, cambiando de ritmo y realizando giros y arreones. Esta es la doma de campo, necesaria para el manejo de las reses.

2.- Doma Clásica

Caballos que ejecutan ejercicios de la equitación avanzada siempre al compás de la música clásica que les acompaña en cada una de las actividades que realizan sobre la pista.

3.- Los enganches

Los caballos también cumplen su misión tirando de los carruajes. Estos enganches, empleados en la antigüedad para el transporte y, relegados hoy en día para el deporte y las exhibiciones. Convenientemente enjaezados, constituyen un espectáculo en sí mismos, presentando una demostración del cometido y manejo de los caballos en esta disciplina. Hacia el final del reportaje, se incluye información adicional sobre el Museo del Enganche.

4.- Trabajos en la mano

El caballo también obedece a su jinete desmontado y realiza ejercicios de Alta Escuela y otros de la equitación antigua tradicional como: Levadas, Cabriolas, Corvetas, Piaffer (entre pilares), Paso Español y en Riendas Largas.

5.- Carrusel

Un grupo de caballos y jinetes, al unísono, realizan por la pista ejercicios de la equitación avanzada, como punto y final de esta programación.

MUSEO DEL ENGANCHE

Finalmente, resulta muy interesante la visita al Museo del Enganche, también en las instalaciones de la Escuela de Arte Ecuestre.

Este Museo pretende potenciar, popularizar y mantener viva la tradición del enganche mediante la unión de un rico patrimonio material y nuevas tecnologías. Inaugurado en el año 2002 y ubicado en un complejo bodeguero que data de principios del siglo XIX, este espacio es el único de su género donde pueden admirarse carruajes, atalajes, caballos e indumentaria ecuestre de forma conjunta, porque "todo ello es lo que se denomina enganche": desde la ropa que vestían (y hoy en ocasiones especiales o espectáculos visten) los conductores de carruajes (también llamados cocheros, mayorales, caneleros, conductores o carreteros), hasta el propio carruaje, pasando por todos los pertrechos y atalajes necesarios.

El Museo se compone de cinco salas o espacios singulares que conforman un recorrido activo por el mundo del enganche, un recorrido que integra tanto la contemplación de los carruajes y sus guarniciones como la visita a las cuadras y a las zonas de trabajo, todo ello complementado con sistemas multimedia.

La sala principal exhibe los carruajes más emblemáticos, coches de época de los siglos XIX y XX que es posible observar junto a las mejores guarniciones y el resto de elementos del enganche. El recorrido continúa por las cuadras, para sentir el latido de los caballos, y por la zona de trabajo para observar cómo se les limpia y atalaja y cómo se cuida de los coches, completando así la multidimensionalidad. Entre ambos espacios, un audiovisual muestra como viven los caballos de la Real Escuela. El sistema permite seguir 24 horas apasionadas de la vida de los caballos.

La Bodega Guadarnés 1810, espacio acondicionado para exposiciones temporales, permite observar más piezas de la colección.

Por último, la sala de trajes, ubicada en el antiguo alambique de la bodega, expone una colección permanente de indumentaria ecuestre.

- Nuestro agradecimiento a María José R., y a Javier N.

                                       Foto: REAAE